Peut-être aucun autre auteur-compositeur n’a eu autant d’influence sur le développement et l’interprétation de la chanson populaire américaine qu’Irving Berlin. Tant de choses ont été écrites sur lui, nous ne pouvons pas espérer ajouter quelque chose de nouveau ici. Notre but est de fournir une biographie raisonnablement complète qui soit utile à nos visiteurs et qui comprend des exemples musicaux et des commentaires dans le contexte de la série d’articles ParlorSongs sur la musique populaire américaine.

Si jamais quelque chose pouvait prouver que l’Amérique est un creuset du monde, le nombre de musiciens immigrés qui sont venus sur nos côtes et sont devenus célèbres et qui ont façonné la musique américaine devrait être suffisant. Parmi ce flux de nouveaux citoyens, il y avait un Israel Baline et sa famille qui sont arrivés à New York en provenance de Temun en Russie en 1888. Israël, né le 11 mai 1888, était le plus jeune des huit enfants de la famille. Il y a eu une certaine confusion parmi les biographes quant au nom de naissance de Berlin. Certains biographes ont déclaré Isadore, d’autres Israël et certains énumèrent les deux (Israël Isadore ou Isadore Israël). J’ai choisi d’aller avec Israël comme prénom dans cet article. Fuyant la persécution, la famille est arrivée en Amérique en 1893 et s’est installée dans le lower East side de New York. Le père d’Israël, Moïse, était un chantre juif. À son arrivée en Amérique, Moïse a été forcé de travailler dans un marché et a parfois été cantor dans des synagogues locales. Comme pour de nombreuses familles immigrantes, les temps étaient difficiles et même les enfants devaient participer et gagner de l’argent. Pendant ses plus jeunes jours, Israël a vécu une vie relativement sauvage et sans surveillance en appartenant à un gang et en jouant à des jeux de rue avec ses copains. En 1896, Moïse mourut et Israël s’enfuit de chez lui. Le jeune Israël a gagné de l’argent pour lui-même d’abord en tant que chanteur de rue, puis en tant que compagnon d’un mendiant chantant peu recommandable. Israël a commencé à chanter aussi et a traîné dans certains cafés et restaurants populaires du Bowery. En conséquence, il a été engagé pour chanter dans certains des cafés, y compris Callahan’s et plus tard, le Pelham Café. C’est à cette époque qu’il est remarqué par Harry Von Tilzer et engagé pour enregistrer des chansons de Von Tilzer au Music-Hall de Tony Pastor, ouvert en 1881 et souvent considéré comme le berceau du vaudeville. L’un des nombreux actes auxquels Israël a été assigné était les Trois Keaton, dont l’un était le grand comédien de cinéma, Buster Keaton.

C’est en 1906 qu’Israël est engagé comme serveur de chant chez Pelham et c’est ici que sa fortune et le cours de la musique américaine changeront à jamais. Selon David Ewen (Compositeurs américains populaires, p. 22) après l’embauche du jeune Baline, il est devenu un client divertissant très populaire avec des parodies de chansons populaires actuelles. Baline est devenu bien connu et a même été mentionné dans les journaux devenant ainsi mieux connu. Deux serveurs d’un café rival avaient écrit une chanson italienne et l’avaient publiée. Pour ne pas être en reste, Pelham demande à leur pianiste ,  » Nick  » Nicholson, d’écrire une chanson et fait appel à Baline pour écrire les paroles. Les deux ont écrit Marie Of Sunny Italy (MIDI, Paroles) et Berlin a présenté lui-même la chanson et l’a souvent chantée au travail. La chanson était très populaire auprès de la clientèle et lorsque Stern l’a choisie pour la publier, une erreur d’imprimeur sur la couverture lui a donné le nom d’Irving Berlin. Pas du genre à tenter le destin, le nouveau nom de Berlin a gardé ce nom pour le reste de sa vie. Berlin a fait un total de 37 ¢ en redevances de la chanson.

Le nouveau nom de Berlin a commencé à se faire un nom en tant que parolier créatif. L’une de ses spécialités chez Pelham était la capacité de chanter des parodies de chansons à succès existantes, à la grande joie de la clientèle. Peu de temps après la publication de  » Marie « , Berlin déménage chez Jimmy Kelly à Union Square. Bien qu’il écrive toujours principalement des paroles, en 1908, Berlin finit par écrire « accidentellement » une mélodie pour accompagner certaines paroles. Berlin avait écrit quelques paroles pour une chanson potentielle sur un marathonien italien nommé Dorando. Quand Berlin a essayé de vendre les paroles à Ted Snyder, ils ont supposé qu’il avait également une mélodie pour aller avec les mots et ont offert à Berlin 25 $ pour une chanson complète. Bien qu’il ait un sens de la mélodie, à cette époque, Berlin ne pouvait pas jouer du piano, ni de tout autre instrument que je connais. Ne voulant pas perdre l’occasion de faire une vente, Berlin a trouvé un arrangeur à qui il a dicté une mélodie potentielle. L’arrangeur a vidé la chanson et Berlin a eu sa première chanson complète, Dorando. La même année, il a également écrit une autre chanson, The Best Of Friends Must Part, en utilisant le même arrangeur.

Bien qu’il ait prouvé qu’il pouvait créer une mélodie, c’est toujours en tant que parolier que Berlin s’est imposé dans l’industrie de la musique. De 1908 à 1911, Berlin a écrit des paroles sur un certain nombre de mélodies de divers compositeurs (parmi les meilleurs de l’époque) et a connu un grand succès. L’une de ses premières chansons, Sadie Salomé, Go Home avec une musique d’Edgar Leslie s’est vendue à plus de 200 000 exemplaires en 1909. Berlin a écrit plusieurs chansons sur une musique de Ted Stern, dont Next To Your Mother, Who Do You Love (1909) et Kiss Me, My Honey, Kiss Me (1910). Les paroles de Berlin étaient devenues très populaires en 1910 et il était recherché par de nombreux compositeurs et a même été engagé par le New York Journal pour écrire plusieurs centaines de vers. (Ewen, p. 23)

Bien que les paroles aient été sa revendication immédiate de gloire, Berlin a continué à écrire des mélodies (par l’intermédiaire d’un arrangeur) qui ont atteint un bon niveau d’acclamation. Je trouve intéressant que dans le cas de Berlin comme ainsi que celui d’autres compositeurs notables de l’époque, les arrangeurs aient rarement, voire jamais été crédités pour leur contribution aux chansons. Très tôt, Charles K. Harris a crédité son arrangeur, mais dès qu’il a réussi, les arrangeurs ont été oubliés. Dans le cas de Berlin, il semble n’avoir jamais crédité d’arrangeurs pour leur collaboration. Ceci est particulièrement intéressant étant donné que Berlin n’a jamais vraiment appris à jouer du piano. En fait, pendant toute sa vie, il ne pouvait finalement jouer qu’en une seule touche, en Fa dièse, essentiellement uniquement des touches noires. Plus tard, il avait un dispositif fixé à son piano qui lui permettrait de transposer d’autres touches à sa préférée. Il semble en quelque sorte injuste que ces collaborateurs créatifs n’aient jamais été crédités de l’avoir aidé à réussir. Dans le même esprit cependant, il faut admettre que Berlin avait un talent pour la codépendance des paroles et de la mélodie et, indépendamment de sa maîtrise du piano, était capable d’écrire un large éventail de chansons dans différents styles tout en développant un style musical et une harmonie uniques qui deviennent presque instantanément reconnaissables lorsqu’une de ses chansons est entendue. Alec Wilder a eu quelques commentaires perspicaces sur la musique de Berlin dans son livre de 1972, American Popular Song;

« J’ai entendu Berlin jouer du piano, à l’époque du vaudeville et j’ai trouvé son harmonie particulièrement inepte. — Pourtant, Robert Russell Bennett déclare sans équivoque qu’en entendant l’harmonisation de ses chansons par quelqu’un, Berlin insisterait sur une succession d’accords variantes..et n’a pas été satisfait jusqu’à ce que le bon accord soit trouvé. Je dois accepter le fait que, bien que Berlin ait rarement joué une harmonie acceptable, il la perçoit néanmoins, par une certaine maîtrise de son oreille interne, écrivant en fait beaucoup de ses mélodies avec son sens harmonique naturel et intuitif à l’œuvre dans sa tête, mais pas dans ses mains. » (Wilder, p. 93)

De nombreux étudiants berlinois ont émis l’hypothèse qu’il n’a jamais écrit aucune de ses chansons, qu’il a toujours utilisé des « écrivains fantômes » ou des embauchés pour créer les mélodies qu’il prétendait être les siennes. Il y a de fortes chances que la vérité se trouve quelque part entre les deux. Les limites de sa capacité musicale sont clairement documentées. Cependant, il en va de même de sa capacité à faire appel à ce sens intérieur de la musique pour créer une mélodie et un ensemble de paroles. Ma conclusion personnelle est qu’il était en effet un génie musical qui avait le malheur d’une déconnexion mentale-manuelle et indépendamment de ses compétences limitées en interprétation, était le plus grand auteur-compositeur que nous ayons vu en Amérique.

En 1911, Berlin a remporté le gros lot de la chanson à succès avec une chanson qui a balayé le pays comme une traînée de poudre; Le groupe de ragtime d’Alexander (MIDI, Paroles). Bien qu’elle ne soit pas une véritable œuvre de Ragtime, cette chanson a capturé l’esprit du mouvement Ragtime qui avait balayé la nation et redéfini la musique populaire en Amérique. Vendu à plus d’un million d’exemplaires en quelques mois, il semblait être un engouement national. La chanson a en fait commencé comme un chiffon de piano intitulé, Alexander et sa clarinette (qui ne se serait jamais vendu!). Berlin a été élu membre du club des Frères et invité à participer à leur spectacle annuel de 1911. N’ayant pas de chanson à portée de main, Berlin a réécrit Alexander comme une chanson avec des paroles et l’a présentée au spectacle. Il est passé pratiquement inaperçu jusqu’à ce que la grande Emma Carus l’interprète sur vaudeville à Chicago. La chanson s’est ensuite répandue à travers le pays comme s’il s’agissait d’un virus et a pris d’assaut le pays.

Je soupçonne Berlin d’être aussi surpris que quiconque que cette simple chanson ait provoqué une telle fureur. Berlin a suivi le thème avec un certain nombre d’autres titres « chiffons », dont certains ont eu du succès, d’autres non. La même année, il a publié Ce mystérieux Chiffon (pas très mémorable mais avec une excellente couverture) et même un étrange intitulé Alexander’s Bag Pipe Band. Ce chiffon mystérieux était l’une des rares chansons postérieures à 1911 que Berlin a écrites avec la musique de quelqu’un d’autre, Ted Snyder a fourni la mélodie. Bien sûr, d’autres compositeurs ont emboîté le pas avec leurs propres titres non ragtime, ragtime. D’ailleurs, la chanson n’est pas du tout un air de ragtime, elle n’a aucun des attributs d’une véritable œuvre de ragtime, seulement le nom. Cela ne semblait avoir d’importance pour personne et ne l’est toujours pas, mais cela intéresse ceux d’entre nous qui font de la recherche et étudient la musique. Cette chanson est l’une de celles qui ont sans aucun doute changé la direction de la musique populaire américaine.

À la suite de son succès, les talents de Berlin ont été attirés dans d’autres domaines, en particulier à Broadway. En 1914, il a été engagé pour écrire un spectacle de Broadway pour un spectacle mettant en vedette Vernon et Irene Castle, les célèbres danseurs de l’époque et créateurs d’un certain nombre de danses, dont la célèbre Promenade du château. Le titre du spectacle était, Watch Your Step et il a ouvert au New Amsterdam Theater le 8 décembre 1914. Le spectacle a duré jusqu’en juin 1915 et a connu 175 représentations, tout un accomplissement pour une première production. Bien sûr, les châteaux étaient une propriété chaude à cette époque, donc je suis sûr que leur implication a aidé le succès de l’écrivain en herbe de Broadway. Cependant, la musique de Berlin a été acclamée par la critique et un certain nombre de ses succès classiques, dont Play A Simple Melody, sont sortis du spectacle. Le New Amsterdam a été construit par Klaw & Erlanger en 1903. Avec son architecture et son décor élaborés, il a apporté l’Art Nouveau à Broadway. Ziegfeld était propriétaire de 1/3. Il est devenu un point de repère enregistré en 1982. Le théâtre a été restauré en 1997 et accueille aujourd’hui le Roi Lion.

Dans sa vie personnelle, Berlin avait rencontré et épousé Dorothy Goetz en 1912 et Berlin a subi une tragédie aux proportions cauchemardesques quand lui et la nouvelle Mme. Berlin est allé en lune de miel à Cuba. Dorothy a contracté la fièvre typhoïde pendant leur lune de miel et est décédée peu après leur retour. Dévasté, Berlin s’est tourné vers sa musique et a écrit certaines de ses chansons d’amour les plus sincères et les plus poignantes. Poussé par sa perte, il écrit When I Lost You (MIDI) la même année. Dans un tournant amer du destin, la chanson est devenue l’une de ses chansons les plus réussies, se vendant presque autant d’exemplaires que le groupe de Ragtime d’Alexander.

Lorsque l’Amérique est entrée en guerre, Berlin, comme de nombreux compositeurs, s’est non seulement tourné vers la composition musicale pour remonter le moral des gens au pays, mais il a rejoint l’armée et a fait sa part pour aider à gagner la guerre. Alors qu’il était affecté au camp Upton à Long Island, Berlin a eu l’idée inspirée d’écrire une œuvre scénique qui serait entièrement interprétée par des soldats. Convaincu qu’il fallait divertir les troupes, il écrivit un spectacle qui ne regardait que des soldats, Yip, Yip Yaphank en 1918. Après des essais au camp theatre, le spectacle a été créé au Century Theatre de New York le 26 juillet 1918, le spectacle contenait la chanson Oh! Comme Je Déteste Me Lever Le Matin (voir notre article de février 2003 sur la musique de Berlin) qui est devenu un succès instantané. L’air contagieux et les paroles de bonne humeur ont fait de la chanson l’une des plus grandes à sortir de la guerre et ont établi Berlin comme un grand auteur-compositeur. Comme pour la plupart des spectacles, certaines chansons écrites pour lui n’ont pas été utilisées dans la production finale, un phénomène courant dans la création de spectacles musicaux. Une mélodie qu’il a laissé tomber du spectacle était celle qu’il trouvait trop morne pour le temps et la nature du spectacle. Plus tard, il dépoussiérera cette chanson, y ajoutera de nouvelles paroles et la produira en 1939 en tant que grande chanson patriotique inspirante, God Bless America.

Après la guerre, Berlin est retourné à plein temps à sa musique, mais a commencé à déployer ses ailes et à embrasser d’autres aspects de l’entreprise. Il a mis fin à sa relation d’édition avec Waterson, Berlin & Snyder et a formé sa propre maison d’édition, Irving Berlin, Inc. Il a également commencé à se produire dans des vaudeville, interprétant ses chansons dans certains des meilleurs théâtres du circuit. En 1921, Berlin et Sam Harris ont construit un théâtre, La Boîte à musique sur la 45e rue comme lieu de sa propre musique ainsi que pour d’autres spectacles. La boîte à musique existe toujours et est actuellement la maison de la comédie musicale, Amour. Au cours des années suivantes, Berlin a présenté chaque année un spectacle, La Revue Music Box, qui mettait en valeur les meilleurs talents chantant ses chansons. Comme chaque année auparavant, ces années ont produit un certain nombre de chansons à succès formidables, notamment Say It With Music et What Will I Do?

En 1925, Berlin rencontre une mondaine, Ellin Mackay, la fille de Clarence Mackay, le PDG du télégraphe postal. À cette époque, tout auteur-compositeur, même de la stature de Berlin, était considéré comme inférieur au statut social d’une femme aussi élevée et Mackay a essayé pendant des mois d’empêcher un mariage entre les deux. À un moment donné, Mackay a envoyé l’infortunée Ellin en Europe pour la mettre hors de portée. C’est pendant cette absence que Berlin a écrit certaines de ses plus belles ballades amoureuses, dont Always. Cependant, le pouvoir et les efforts de Mackay étaient vains et l’amour triompha, car lorsque Ellin revint d’Europe à New York, les deux se marièrent secrètement à l’hôtel de ville le 4 janvier 1926. Dans un brin d’ironie, les deux ont immédiatement quitté New York pour une lune de miel en Europe. Cela est sûrement resté dans la merde de Mackay et il aurait fallu des années avant qu’il ne permette une réconciliation. Fait intéressant, leur mariage a provoqué un tel scandale social que même d’autres auteurs-compositeurs ont été inspirés pour écrire des chansons sur l’événement. Le plus important était, Quand Un Enfant Venu de l’East Side A Trouvé une Douce Société Rose, par Al Dubin et Jimmy McHugh.

Parfois, même le meilleur du génie créatif perd sa muse et c’est arrivé à Berlin pendant les années 1927 à 1932. Il semblait qu’il était incapable de créer une grande partie de ce qui était vendable et le public trouvait peu dans son travail pour les satisfaire. La dépression financière aux États-Unis a aggravé les choses et Berlin s’est retrouvé dans une situation difficile.(Ewen, p. 25) En 1932, le chanteur populaire Rudy Vallee remit Berlin sur les rails. Vallee a chanté un certain nombre de chansons de Berlin et l’a remis dans la conscience du public. La même année, Berlin a publié How Deep Is The Ocean et il est devenu un énorme succès. Inspiré, Berlin revient à la scène et crée un spectacle à succès , Face The Music (Créé le 17 février 1932) qui présente de nouvelles chansons à succès qui résonnent auprès du public, dont Let’s Have Another Cup Of Coffee. Berlin était de retour et au sommet de sa forme et il semblait atteindre un niveau de compétence et de créativité encore plus élevé qu’auparavant. En 1933, son spectacle sur scène, Alors que des milliers de personnes applaudissent, comportait une chanson qui est l’une de ses plus célèbres, la Parade de Pâques. Fait intéressant, comme avec God Bless America, cette mélodie avait été écrite plusieurs années plus tôt, en 1917 sous la forme d’une chanson intitulée Smile and Show Your Dimple (cliquez sur la couverture à gauche pour la vue Scorch, ici pour le MIDI ou les paroles) et elle n’avait jamais pris. La pratique de faire revivre des mélodies sous d’autres formes n’était pas rare (et ne l’est toujours pas) chez les compositeurs et les auteurs-compositeurs. Parfois, c’est une question de timing et de sujet. Dans ce cas, la chanson de 1917 a été un flop complet mais sous sa nouvelle forme, elle est devenue un classique américain. Nous sommes heureux de vous présenter cette chanson rare dans le cadre de nos efforts continus pour préserver le précieux patrimoine de la chanson populaire en Amérique.

En 1933, le film musical était une grande partie de la scène du divertissement en Amérique et Berlin y voyait également une nouvelle opportunité et un moyen de mettre en valeur sa musique. Certaines de ses meilleures musiques sont venues avec les merveilleux films de Fred Astaire, Ginger Rogers, dont certains de mes favoris personnels, Top Hat, Follow The Fleet et Carefree. Le film Top Hat comprenait cette grande chanson, Cheek to Cheek qui a valu à Berlin un Oscar. À la fin des années 30, au début des années 40, il y a eu une série de films sur les compositeurs et notre patrimoine musical. En 1938, le très populaire groupe de ragtime d’Alexander a reçu le traitement royal d’Hollywood avec un film du même nom produit par la 20th Century Fox. Avec un boîtier all star qui comprenait Tyrone Power, Alice Faye, Don Ameche et Ethel Merman. Cavalcade virtuelle des succès berlinois, ce film présentait plus de 25 de ses chansons, dont plusieurs nouvelles écrites juste pour le film.

1938 a également apporté les nuages de la Guerre mondiale sur l’Europe et les Américains ont commencé à comprendre et à apprécier les libertés dont nous jouissons. Le résultat fut le début d’une poussée patriotique qui se poursuivrait pendant les huit prochaines années. Berlin a été l’un des premiers compositeurs à reconnaître la nécessité d’un nouveau patriotisme lorsqu’il a dépoussiéré cette vieille mélodie abandonnée de l’émission Yip, Yip de 1918. Yaphank. Il a écrit de nouvelles paroles et les a republiées sous le titre God Bless America. Kate Smith a présenté la chanson lors de sa longue émission de radio (commencée en 1931) et comme on le dit souvent, le reste appartient à l’histoire. Si jamais une chanson définissait le patriotisme, God Bless America doit être considérée comme la chanson patriotique la plus déterminante de tous les temps. Utilisé maintes fois dans les crises américaines, il a de nouveau connu une résurgence énorme après les attaques fatales et horribles contre l’Amérique en septembre 2001. Merci à la Kate Smith Commemorative Society de nous avoir permis d’utiliser cette superbe photo d’elle tirée de leur excellent article sur Kate Smith et God Bless America à http://katesmith.org/gba.html. La chanson est devenue aussi proche d’un deuxième hymne national que n’importe quelle chanson et, en fait, il y a eu des mouvements au fil des ans pour remplacer le difficile à chanter Star Spangled Banner (format Scorch) par God Bless America. La chanson s’est vendue à des millions d’exemplaires, a remporté de nombreux prix et a rapporté d’énormes royalties. Dans un acte désintéressé de son propre patriotisme, Berlin a fait don de la totalité des redevances de la chanson aux Scouts, aux Éclaireuses et aux Filles de feu de camp en disant qu’il refusait de capitaliser sur le patriotisme. Berlin a également montré son courage en composant de nombreuses autres chansons patriotiques pendant la guerre qui ont profité au Secours de la Marine, à la Croix-Rouge, à la Marche des dix sous et aux collectes d’obligations et a versé toutes les redevances de ces chansons à des œuvres caritatives de guerre.

Répétant un chapitre de sa vie pendant les Guerres mondiales, Berlin insista pour retourner au camp Upton après l’attaque de Pearl Harbor avec l’intention d’acquérir une expérience de première main sur la vie des soldats. De cette expérience, il a écrit un tout nouveau spectacle de soldats intitulé This is The Army et l’a créé au théâtre de Broadway le 4 juillet 1942. Le spectacle est parti en tournée aux États-Unis ainsi que dans toutes les zones de combat d’Europe et du Pacifique, puis a été transformé en film en 1943 qui a joué parmi d’autres notables, un jeune Ronald Reagan. Encore une fois, Berlin a fait don de toutes les royalties pour ce spectacle à des œuvres caritatives et le produit s’est élevé à plus de dix millions de dollars! Pour ses contributions à des œuvres de bienfaisance de guerre et pour l’élévation du moral de son pays, Berlin a reçu la Médaille du mérite des mains du général George C. Marshall.

Après la guerre, Berlin se concentre à nouveau sur le cinéma et c’est au cours de la décennie suivante qu’il produit certaines de ses plus grandes œuvres scéniques et cinématographiques. Parmi ses chefs-d’œuvre de ces années, citons Call Me Madam (1950), Annie Get Your Gun (1946), There’s No Business Like Show Business (1954) et Sayonara (1957). En gros, Berlin est devenu inactif en tant que compositeur après les années 60.Bien qu’il jouisse d’une bonne vingtaine d’années de vie de plus, il s’est retiré dans le fond de la chanson américaine en tant que compositeur actif. Il ne fait aucun doute dans mon esprit cependant qu’il a dû ressentir une grande satisfaction pour sa contribution au développement de la chanson populaire américaine. Selon Ewen (p. 26-27), en 1958, on a demandé à Berlin de lister ses chansons préférées et il a nommé; Le groupe de Ragtime d’Alexander, Une Jolie Fille Est Comme Une Mélodie, Toujours, Ciel Bleu, Défilé de Pâques, À Quelle Profondeur Est L’Océan, Oh! Comme Je Déteste Me Lever Le Matin, Noël Blanc, Que Dieu Bénisse L’Amérique et Il N’Y A Pas D’Affaires Comme Le Show-Business. Ce n’est probablement pas un hasard si la plupart des Américains nommeraient ces mêmes dix chansons parmi leurs morceaux berlinois préférés car elles capturent l’essence de ce qui rend la chanson américaine si géniale et ce qui fait une chanson à succès, un succès. Avec des mélodies mémorables et chantables, une émotion débridée et des paroles intemporelles, ces chansons ainsi que des centaines d’autres œuvres de Berlin seront sans doute chantées par nous pour de nombreuses générations à venir.

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée.